Galleria ArtEX - Todi Umbria
The shape it takes

CK: You both have materially demanding and labor intense practices. Lucy- working with earth pigments; Esther- working with textile, knitting and embroidering textile. Could you both speak briefly to the labor of your art practice and why you continue to be drawn to that slow method?

ES: It is precisely slowness in my work that reflects me most, what interests me as a very important theme. All my work is about time, meditation, spirituality.
The endless repetition of the gesture with needle and thread, and also my hands making thousands of knots, create an intense dialogue between the world and my inner being.
We are all interconnected and there is a great responsibility that comes with just existing in this world. We all live together here and we must find ways to coexist.
Stitch after stitch, knot after knot, contain reflections on hope, consolation, happiness and love for all humanity and all living beings, and this must be done every day, for hours, for days, for months, always, slowly and with deep dedication.

 

CK: We are situated in a place historically famous for its figurative and representational art. And yet, despite the discernible objects in your pieces here on view, I sense the role of abstraction. How do you draw from that history but as artists in the 21st Century also resist it to express the contemporary?

ES: I am German, but I have lived in Italy for 40 years and studied at the Academy of Fine Arts in Carrara, so my artistic training took place in this beautiful country. A classical education made up of drawing, modelling, learning to work with terracotta, plaster, marble and bronze. If I had stayed in Germany, I would definitely have become a different artist. But here there are depictions of Madonnas everywhere, Giotto's landscapes, haloes, gold, you breathe art in every corner, in every village. My work is completely interwined with my life, so when it changed dramatically, my work followed. I myself became more abstract in my thoughts, in looking at the world.
Being constantly on my way has led me more and more towards abstraction and my interest in expressing spirituality rather than representing the figure is stadily growing.

 

CK: As a writer, I need periods in the world, to see and think in community, and other times, need solitude to think my own thoughts. When in making work do you feel the need for community, colleagues or friends to provide critical feedback and how do you recognize the moments when you must withdraw to be away from the clamor of opinion in the world?

ES: I live a very reclusive life, and beside my son Vincent I see very few people. He is the best critic, and whenever I have doubts his position as an observer is incomparably accurate. The exchange with my friends, most of them artists, is always illuminating and intimate at the same time, as our conversations about art, spirituality, world events, love and relationships give us the joy of feeling community, and afterwords, everone off to the studio.
But the sentence ALL THE ANSWERS ARE INSIDE that I am repeatedly involving in my work, embroidering it, thinking it, is more than a statement the deep knowledge of the necessity to spend most of my time alone to work. TIME is the magic word, to work always and constantly, and therefore I need to be alone the most I can.

 

CK: Speaking of community, the art world and market has not always been supportive of female artists, as if their very femaleness somehow separated them from all other artists. Have you experienced this and how have you addressed it?

ES: I completely agree with your observation, even though I have not personally experienced the discrimination against women in the art world personally. I admire all artists who stood up for equality and continue to do so because it is still needed. But I always earned more than other male artist friends, won competitions for public spaces when I still worked with bronce, even if I was more than one time the only woman artist invited.
So that fellow male artists were preferred over me as a woman has never crossed my artistic path.
But this doesn't mean at all that I didn't have to emancipate myself in my private life, in my relationship with men in general. 

 

CK: There’s an adage from second wave feminism that the personal is political. Though your art stands on its own, you both are also mothers, who raised independently a son. How has that informed or impacted your practice as an artist?

ES: The birth of my son in 2000 turned my life of the last 17 years upside down, because despite a child we both wanted, my life partner left us all of a sudden. Both of us sculptors, working together, doing exhibitions together, I found myself alone with a child. It was no longer possible to model in the studio, which was too cold and dusty, so I had to find another solution to be able to work all the time as I was used to. I started embroidery and created my own 'mobile studio'. Since Vincent and I lived in a very isolated house in the hills of Versilia, and for all his activities between guitar lessons, Hip-Hop, Aikido, theatre, photography, football, surfing, friends' birthdays, and so on we had to go down to the valley, I would pack my embroidery bag and wherever I took him, I would wait outside in my very cosy van and work.
Over the years I have changed from a sculptor to an artist working with textiles, with antique and contemporary fabrics I love so much, using needle and thread, always working by hand as I used to, but no longer with terracotta and bronze. I am very happy to be autonomous, proud to have brought up my adorable son on my own and being always on very good terms with his dad.

My brother Matthias introduces me

 

Esther Seidel (8.2.1964) studied sculpture at the Accademia di Belle Arti di Carrara and has lived in Italy since then.

Her artistic background is figurative sculpture, to which she devotes herself as a stone sculptor and plastic artist. Already in her studies the human body is her main subject. Her central interest is the interaction of the inside and outside of a person, of body form and shape.

From her sculpting she develops a strong relation to materials and their specific qualities: Stone sculpture in marble, sculpture in terracotta, bronze casting with its many intermediate stages in wax, plaster, silicone, burned earth and finally bronze and its post-processing characterize the artist's manual and shaping skills.

Since the 1990s Esther Seidel has designed numerous public spaces with groups of bronze sculptures. These are characterized by the realistic representation of contemporary people. As life-size figures they are depicted with all the attributes of everyday appearance, especially current clothing. As they are always placed directly on the level of the pedestrians, they enter into a direct visual and haptic dialogue with the viewers.

Beginning around the year 2000, she contraposes her sculptural works with textile embroidery pictures. In these portraits, she leads her figures back from their three-dimensional physicality into two-dimensional images. To do this, she first dissolves their image through graphic screening, transfers this onto a fabric and then condenses it again through embroidery with wool threads. This textile moment interacts with small and medium sized sculptures of this period, in which she increasingly forms the figures' clothing with real fabrics. The clothing as the second skin of the individuals, and as their own design features, detaches itself from the sculpture and thus becomes an independent subject. Since then, her sculptural work has meant on the one hand shaping human beings as individual bodies, and on the other hand covering them with textiles that provide the external protection of the persons.

The focus on textile art increased in the following years. Esther Seidel became particularly interested in the material qualities of the fabrics, their tactile and chromatic properties as well as their processing and assembly. Since the middle of the 2010th, this has sometimes led to the physical body, apart from the bust, dissolving completely in the textile and the figures becoming more than life-size.

In terms of content, her search for expressions of the duality of individual, inner worlds on the one hand, and, on the other hand, for the universal questions of meaning of being, is intensified. In her works, she transcends her own inner experience to the all-embracing outer cosmos against the background of biographical and personal questions. She is particularly interested in the phenomenon of universal love and the protection of people and their existence by cosmic forces. To illustrate this, she consistently focuses on her own self-relation, presenting herself as the personification of a Madonna figure in the cosmos, representing and symbolizing the key position that each individual occupies between physical-earthly existence and the transcendental-metaphysical world. In order to illustrate this connection, she also refers to a variety of religious symbols and in some cases uses textile artefacts of liturgical origin. The result are large-format wall hanging textile pictures, as collages and assemblages, with motifs that allow a variety of associations with traditional religious art while nevertheless being completely innovative, high-quality works of art in terms of both craftsmanship and symbolism.

Ute Stuffer im Dialog mit Esther Seidel 7.4.2021

UTE STUFFER:
”Menschsein heißt Leben mit Stoff", mit diesen Worten brachte Beverly Gordon unsere lebenslange Verbindung mit dem Textilen auf den Punkt. Sie reicht buchstäblich von den Windeln zu Beginn unseres Lebens über die Kleidung als Schutzfunktion – mit der wir zugleich unser persönliches und kulturelles Verständnis zum Ausdruck bringen – bis zum Leichentuch oder anderen Stoffen, die unseren toten Körper bedecken. Körper und Stoff sind kulturgeschichtlich von Beginn des Lebens miteinander verbunden.

In Deinem, für viele Dekaden figürlich bildhauerisch geprägten Werk, hat das Textile als Medium seit 2000 eine entscheidende Rolle eingenommen. Vorab ganz allgemein, was fasziniert Dich am Medium Textil?

 

ESTHER SEIDEL:
Deine Frage ist so direkt und klar, und ich würde gerne genauso darauf antworten. Trotzdem überrumpelt sie mich fast. Vielleicht weil man etwas, das so selbstverständlich immer schon da war, gar nicht in sich erforscht oder hinterfragt?

Die Faszination und Liebe zum Textilen war seit ich denken kann immer da!

Schon als kleines Mädchen gehörte zu meinen Lieblingsspielen die Kleiderkiste, "lange Kleider spielen", das sich verkleiden, verhüllen, die Schutzmantelmadonna spielen oder sein, die die kleinen Geschwister unter ihre Fittiche nimmt, mit Schleier und viel Stoff.

Später als Jugendliche lernte ich begeistert Wolle spinnen, und stickte alle "wichtigen Briefe" auf Papier. Worte aus Fäden, Seide und feinster Wolle, auf Karton, Bütten - und Packpapier. Das wirkte wie ein feines Gewebe.

Mutter schneiderte uns Kleider, und mein Bruder nähte sich jahrelang alles selbst. 

Mich außergewöhnlich zu kleiden, mit langen Gewändern, Umhängen, einem tunesischen Burnus, einem nachtblauen Cape mit Kapuze, war mir wichtig, eine Notwendigkeit.

Auch in vielen meiner Skulpturen in Bronze, Stein oder Terracotta findet sich das Gewebe, die Textur der Stoffe wieder, entweder eingraviert in die Oberfläche des Steins, oder ich drückte beim Modellieren verschiedene grobe und feine Textilien auf die noch weiche "Haut" der Arbeit in Ton, damit der Stoff als Element sichtbar wurde.

Das Zitat von Beverly Gordon mit dem du unseren Dialog einleitest, "Menschsein heißt Leben mit Stoff " ist wunderbar und schließt tatsächlich ein riesiges Gebiet in Zeit und Raum ein. Es bestätigt meine Reflexionen in Bezug auf mein verwoben sein mit Stoff seit Kindertagen, und die ständige, intensive Entwicklung der textilen Arbeiten je weiter ich im Leben gehe.

Zu nahezu jeder meiner Arbeiten finden sich Bezüge in meiner Kindheit. Der Bezug zum Textilen ist wirklich tief und seit jeher in mir verwurzelt und mit mir gewachsen, und ist letztendlich zu DEM Medium meiner Kunst geworden.

Das künstlerische Arbeiten geht oft eigene Wege, es ist intuitiv und instinktiv. Man ist im intensiven Zwiegespräch mit der eigenen Kunst, es ist wie ein organisches Gebilde, eigenen Gesetzen unterworfen, eine Symbiose, du und deine Arbeit. 

Wenn ich Stoffe berühre, seien es antike handgewebte oder moderne Textilien, oder sie abgebildet sehe, manchmal sogar nur wenn ich das Wort ´Stoff´ in einem Buch lese, löst das eine starke Emotion in mir aus.

Seien es die "textilartigen" riesigen Wandbehänge des afrikanischen Künstlers El Anatsui, die Jaquard gewobenen Teppiche von Kiki Smith, die mit Maschine genähten Stoffbuchseiten oder Weltkarten von Maria Lai, die poetisch, tragischen Stoffarbeiten von Tracy Emin, die weinenden Stickbilder von Riccardo Vezzoli , die gigantischen Verhüllungen ganzer Gebäude in Jutesäcke des 1987 geborenen Ibrahim Mahama, die Arbeiten der hoch interessanten türkischen Textilkünstlerin Günes Terkol  oder die Haarbilder der in Beirut geborenen Mona Hatoum, all diese Werke rühren mich tief an, als seien deren Fäden mit meinem Inneren verwoben.

Kiki Smith sagte kürzlich in einem Interview: "The main thing is, that you follow your work and follow it as truthful as you can. Even if it brings you into ditches, but rather than holding the idea of how you want it, rather than to manipulate your life to be in a particular way, let your life just unfold yourself.”

 

 

UTE STUFFER:
Zunächst möchte ich auf Deine 9-teilige fotografische Serie Mantling (2017) eingehen, da sie in meinen Augen wesentliche Punkte Deines Werks vereint. Im Mittelpunkt jeder Fotografie steht der verhüllte menschliche Körper, der eine skulpturale Präsenz und einen innigen Dialog zum Außenraum entfaltet. Welche Rolle spielt die Materialeigenschaft der Stoffe, ist sie Beginn und Stimulanz der jeweiligen Arbeit? In welchem Moment ist das Zusammenspiel von Körper, Stoff und Umgebung im fotografischen Raum für Dich stimmig? Gibt es religiöse Bezüge? Und wann wurde in Deinem Werk das Medium Fotografie relevant? 

 

ESTHER SEIDEL:
Deine Frage zur Mantling Serie gefällt mir sehr. Ich arbeite seit 2017 immer wieder an den ‘Verhüllungen‘, sie nehmen mehr und mehr Raum in meiner Projektwelt ein.

Jeder meiner Stoffe inspiriert mich tatsächlich auf seine Weise. Farbe, Dichte und Textur lassen mich den Ort finden, in welchen ich mich einfüge. Ich schlüpfe unter den Stoff und jedes Mal fühlt es sich so an als würde ich unsichtbar, verwoben mit der Natur.

Das intensive Wahrnehmen der Atmung unter den teilweise schweren Textilien, die sofortige Verstärkung aller Geräusche, die Dunkelheit mit vereinzelten Lichteinbrüchen sind zu vergleichen mit dem Eintauchen unter Wasser, ohne die Luft anhalten zu müssen.

Es ist eine körperliche Erfahrung, es geht um die innige Verbundenheit mit der Natur und um meine Spiritualität.

Eines meiner grundlegenden künstlerischen Themen ist INNEN=AUSSEN. Ich suche beständig nach diesem Zusammenhang.

In diesem Arbeitszyklus werde ich unter dem Material Stoff tatsächlich zur lebendigen Skulptur, bin nicht mehr Schöpferin, sondern selbst Kunstwerk, intensiv mit mir selbst und der Welt um mich verbunden. Und in der Fotografie festgehalten, kann ich mich wiederum selbst von außen betrachten.

Patrick fotografiert mich. Seit 36 Jahren begleiten wir einander, die Rollen waren verschiedene, erst Studienkollegen, dann Liebespaar, nach 17 Jahren Eltern unseres Sohnes, dann getrennt, aber immer beste Freunde und gleichbleibend einander bei unserer Arbeit bereichernd.

Du fragst nach religiösen Bezügen.

Glaube, Vertrauen, Liebe, Gebet sind Worte die sich die Religionen einverleibt haben, sie sind für viele Menschen, mich selbst inbegriffen, wenn nicht sogar negativ belastet, so doch irgendwie schwierig.

Ich selbst bin vor Jahren aus der Kirche ausgetreten, trotz oder vielleicht gerade wegen der von meiner tief religiösen Mutter sehr ernst genommenen katholischen Erziehung.

Aber ich taste mich an die Worte heran, kaue auf ihnen herum, denn ich GLAUBE, zwar nicht an Gott, aber an mich selbst, an das Vertrauen und die Liebe, die mir niemand außer ich selbst geben kann.

Das will ich umsetzten, meine Arbeiten drücken genau das aus.

Verhüllt, stillstehend, atmend, die nackten Füße auf der Erdkruste als wäre ich aus ihr herausgewachsen, ist das eine religiöse Erfahrung, oder eine spirituelle oder eine sinnliche, oder einfach das was Ich gerade machen muss?

Noch eines meiner Lieblingszitate von Kiki Smith:
“My work does what it does, and I just try to follow it. I would love to be a much better artist but you are just who you are and you are given what you are given. And the next person is given what they are given.”

 

 

UTE STUFFER:
Das Stoffliche hat über die textile Arbeitsweise des Stickens Eingang in Dein Werk gefunden. Lange Zeit haftete der textilen Arbeitsweise der Ruch des bloß kunstgewerblichen und der pejorative Unterton der weiblichen Hausarbeit an und wurde die textile Arbeitsweise weitgehend marginalisiert. Das Sticken steht für eine repetitive, langsame Tätigkeit, die eine ruhige konzentrierte Aufmerksamkeit fordert. Welche Qualitäten bietet Dir die Technik des Stickens? 

 

ESTHER SEIDEL:
Ja, du hast Recht, zuerst entdeckte ich das Sticken für mich, und erst danach wurde ich immer mehr zur Textilkünstlerin.

Mein künstlerischer Werdegang geht, wie schon gesagt, seit jeher Hand in Hand mit meiner Biographie.

Nach 17 Jahren zusammenleben und arbeiten mit Patrick, nach unzähligen gemeinsamen Ausstellungen und Projekten, kam wie gesagt im Jahr 2000 unser Sohn Vinzent zur Welt.

Nur wenig später zerbrach unsere Ehe und Patrick verließ uns, trotzdem blieben wir enge Freunde.

Aber mein Leben veränderte sich durch den Verlust meines jahrelangen Vertrauten und die völlig neue Situation des Mutter-Seins von Grund auf.

Es war unmöglich geworden, stundenlang im staubigen und ungeheizten Atelier zu arbeiten, mit Ton oder Gips ständig dreckige Hände zu haben. Ich musste mir etwas anders überlegen, um weiter künstlerisch arbeiten zu können und gleichzeitig Vinzent bei mir zu haben, für ihn da zu sein.

Denn das wollte ich! Ich genoss es, Mutter zu sein, von Anfang an bis heute, 21 Jahre später. Aber auf keinen Fall wollte ich aufhören, meine Kunst zu machen.

Ich begann mich zu fotografieren, es entstanden Selbstporträts, die ich am Computer bearbeitete: Ich legte ein Raster auf die Vorlage, um dann Quadrat für Quadrat, oder Zeile für Zeile, mit Wolle auszusticken.

So erfand ich mein "mobiles Atelier", denn die Stickarbeiten konnte ich überall hin mitnehmen. Am Anfang auf lange Spaziergänge am Meer, und sobald Vinzent eingeschlafen war wurde gearbeitet. Später dann auf Kindergeburtstage, zu Zahnarztbesuchen, zum Hip- Hop, Fußball und Aikodo Training, in Fotografie- und Theaterkurse ... rein in meinem zum Arbeitsraum ausgerüsteten Bus, runter ins Tal, Vinzent steigt aus, Stickzeug raus ... und danach wieder hoch in die toskanischen Hügel.

Das Sticken ist wunderbar langsam, meditativ, und die sich wiederholenden Gesten des Setzens und Führens von Nadel und Faden entspricht mir so sehr, dass dieser Arbeitsprozess aus meinem Leben nicht mehr wegzudenken ist. Parallel zu den großen Arbeiten die zu Hause entstehen habe ich immer ein Stück Stoff in Bearbeitung das ich überall hin mitnehmen kann.

Die Qualität des Stickens liegt tatsächlich darin, dass ich immer und überall mit meiner Arbeit verbunden bin. Am Anfang als Vinzent klein war und sehr viel Zuwendung im Alltäglichen brauchte, wie alle Kinder, war das Gefühl nicht "nur" Mutter, sondern weiterhin Künstlerin zu sein, sehr wichtig für mich, und das Sticken zog meine Gedanken konzentriert in meine Arbeit hinein.

Es stimmt, dass die Arbeit mit Textilien und vielleicht besonders das Sticken lange in die Handarbeitsecke gedrängt wurde. Aber wenn man bedenkt, dass Anni Albers 1899 geboren wurde und zu den wichtigsten Künstler:innen und Lehrer:innen des Bauhaus gehörte und seither eine der wichtigsten Textilkünstlerinnen überhaupt ist, und dass es unzählig viele berühmte Künstler:innen wie Magdalena Abakanowicz, Sheila Hicks, Alighiero Boetti, Maria Lai gibt, die alle in den 1930iger Jahren geboren wurden und sagenhafte Werke aus Stoff hergestellt haben, dann darf man dem textilen Schaffen von Künstler:innen ohne Zögern einen richtig großen Stellenwert einräumen.

 

 

UTE STUFFER:
Seit 2003 ist das Selbstporträt als selbstreflexive Kunstform immer wieder Ausdrucksform in Deinem Werk. Die Stickbilder mit Nahsicht Deines Gesichts mit zumeist geschlossenen Augen wurden abgelöst durch figürliche Selbstbildnisse, in denen Dein Körper von ausladenden Stoffen ummantelt ist. Diese Materialcollagen aus Fotografie, Stoff, Stickerei und Holz verbinden palimpsestartig mehrere Ebenen und eröffnen allegorische, christliche und kosmologische Bezüge. Kannst Du näher auf die verschiedenen Referenzen und Materialien in Deiner großformatigen Arbeit CONNECTING (2019-2020) eingehen und die Rolle des Selbst spezifizieren?

 

ESTHER SEIDEL:
Wie erwähnt änderte sich im Jahr 2000, mit Vinzents Geburt und dem neuen Abschnitt Ohne-Mann-aber-mit-Kind-sein mein gesamtes Leben. Und somit veränderte sich sowohl die Arbeitsweise, als auch das Material als der Ausdruck meiner Arbeiten.

Auch der Schaffensort änderte sich so mit dem Fortlauf der Jahre, die großen Textilwerke entstehen in meinem Haus, auf dem Boden. Ich lege alle Stoffe aus, füge hinzu, nehme weg, suche nach den passenden Material - und Farbübereinstimmungen, der Prozess des Komponierens gleicht der Herstellung eine Collage. Dann wird Schicht um Schicht vernäht und aufgenäht.

Die aufwendigen Selbstporträts sind alle handgestickt, in meiner Arbeit CONNECTING wieder im Rasterverfahren, Quadrat um Quadrat. Die Kontinente und das Kleid sind aus Hanffaser, antike Blumen formen den Erdkreis, die Stoffe und Sterne sind aus verschiedensten Stoffen, die ich ständig suche und finde, zusammengestellt. 

Wichtig ist mir zudem die Rückseite meiner Arbeiten: Sie sollen auch frei im Raum hängen können, nicht nur an der Wand. Jedes Detail ist wichtig und wird mit großer Aufmerksamkeit bedacht.

Ich habe ein Jahr lang an CONNECTING gestickt, nicht ausschließlich, denn ich habe immer mehrere Projekte in Bearbeitung, aber ich habe 2019 begonnen und im März 2020 genau vor dem ersten großen Lockdown in Italien war die Arbeit beendet.

Die inhaltliche Dimension der Arbeit möchte ich versuchen, etwa so zu fassen: Fragen ‘Wer bin ich‘ und ‘Wo stehe ich‘ wurden in meinem Leben und durch seinen Verlauf immer dringlicher... jetzt Mutter, Künstlerin und Frau, anders als vorher, Künstlerin, Frau und Gefährtin... Ich wollte mich selbst genau betrachten, und die geschlossenen Augen waren seit jeher mein Blick nach Innen, die Konzentration und Vernetzung mit mir Selbst.

Die grundsätzliche Erkenntnis, die sich im Laufe der fast 20 Jahre des Arbeitens unter diesen Voraussetzungen immer weiter in mir ausgebreitet und verdichtet hat, und die zu einem festen Bestandteil meines Lebens wurde, will ich durch ein Zitat von Albert Einstein hier einfügen:
“Der Mensch ist ein Teil des Ganzen, das wir ‘Universum’ nennen, ein in Raum und Zeit begrenzter Teil. Er erfährt sich selbst, seine Gedanken und Gefühle als getrennt von allen anderen - eine Art optischer Täuschung des Bewusstseins. Diese Täuschung ist wie ein Gefängnis, das uns auf unsere eigenen Vorlieben und auf die Zuneigung zu wenigen Menschen beschränkt, die uns nahestehen. Unsere eigentliche Aufgabe besteht darin, uns aus diesem Gefängnis zu befreien, indem wir unser Mitgefühl und unsere Fürsorge auf alle Wesen und die Natur in ihrer ganzen Schönheit gleichermaßen ausdehnen. Auch wenn uns das nicht vollständig gelingt, so ist doch bereits das Streben nach diesem Ziel ein Teil der Befreiung und die Grundlage für das Erlangen inneren Gleichgewichtes.”

Ich habe sehr viel durch Verlust, Schmerz, durch Vinzents Geburt, Liebe, Fürsorge, Freundschaft, Einsamkeit, Glück, Vertrauen, Nachsicht, Trauer, Verzeihen und Loslassen gelernt, wie wir Alle, und natürlich habe ich nach meinem Gleichgewicht gesucht, und je mehr ich das in mir fand desto augenscheinlicher haben sich die Arbeiten verändert.

Stellvertretend für alle Frauen, die Beschützerinnen, die Allesumarmenden, die Trostspendenden, Hoffnunggebenden, die Mütter, Geliebten, Freundinnen, stelle ich mich in meiner Arbeit CONNECTING, den Blick ins Universum gerichtet, die Welt als mein Gewand dar.

Es geht um den Glauben an mich selbst, an die Kraft in mir, um meine Verantwortung als Mensch.

Meine Hände beten nichts " Höheres" an, sondern schließen sich um mein Innerstes, um den Ursprung jeden Gedankens der in mir wächst. Innen ist gleich außen, das heißt, in mir gibt es jede Antwort.

ALL THE ANSWERS ARE INSIDE.

 

The concept INSIDE = OUTSIDE

 

The experience of a world too full of interior spaces, too furnished by the futile and banal, is typical of the man and woman of the 20th and 21st century. It was Walter Benjamin who spoke of "furnished man" to understand the colonization of inner space by objects and images that literally left no room to reflect, to be alone, to think. The inner space is so colonized by unrelated "things" that it is difficult for us to find a moment for that penetrating and profound solitude from which artistic inspiration or philosophical intuition is born; even when we are alone the world penetrates us, not with the legitimate need for sociality and socialization (so we are never completely alone because the whole world is reflected within us) but with a cumbersome and unwanted presence. We are inhabited by the world and this makes it difficult for us to inhabit it in a proper and complete sense.

So we need a pedagogy of empty spaces as a preliminary operation of an education of the soul; we need subjects to be trained to create within themselves what we call white holes, that is, fragments of interiority that we save from siege, rectangles of meaning and self that we take away from the dictatorship of a world that furnishes us inside. If we need to educate ourselves to create our own white holes, however, it is true that there is no white hole inside us if there are no spaces and times of disengagement outside. It is by searching for or creating white holes in your day and in your living and working environment that you can create the conditions for an inner spiritual void.

The concept of inside/outside of the soul is the common thread of all Esther Seidel's artistic research. The outside of the soul can be identified as the appearances of the everyday world in which contemporary men and women are immersed and become the privileged subject of the artist's sculptures and embroideries: the people of our time, us, yourselves, considered in the relationship with the existential condition, with the liveable space, of relationship, but even more, or, even better, with the inner space, psychic, with the intimate pulsating ànemos, the inside of the soul that urges in the body, tends its expressive surface, dictates the time of action, the reflexive stasis, the dynamics, the gesture. A single existential sphere that dialogues with the inside and the outside that is realized in space thanks to the material worked and used by the artist's needs.

Esther Seidel was born from the classical sculpture learned from the Academy of Fine Arts of Carrara, a heavy and slow technique that totally took her life and her body, during and immediately after her pregnancy she rediscovered the fascination of photography and the use of the computer and collecting the threads of her life she met wool, fabric and silk. The desire to carry out this feminine work allowed her to be always close to her child, rediscovering that freedom that stimulated the experimentation of her artistic research. From this union, sculpture and embroidery, stone and fabric, bronze and wool, visions that brought Esther back to her beginnings in sculpture and allowed her to express her emotions in art in a new way. Therefore her various artistic attitudes dialogue together, forming a single great gesamtkunstwerk that encompasses the work of a part of her life.

Seidel's sculpture warns and communicates the threat of the reduction of living space and the contraction of psychological space with extraordinary immediacy, and not only in its most distorted and painful inflections, but in a truly surprising variety of situations, points of view (and listening) that now exalt matter, the imposition of physicality, of corporeity as architecture in space, now the communicative tension in strong expressionist scans or even in intensely neo-baroque movements, now imposes the articulation of a gesture that activates the space/environment, now a light that seems to intervene to walk, smooth, taper the surfaces, reducing the mass, the weight, the 'armor' and guiding the perception more and more explicitly towards the 'core', the innermost, secret nucleus, the inside of the soul.

In her works today, the artist rediscovers the slowness that is typical of sculpture and that she loved so much, but no longer the heaviness given predominantly by what were for her the large dimensions due to the private commissions that were the basis of her work. The repetition of the gesture with needle and thread, so humble but at the same time profound and meditative, became her bond of emotional communication to bring the various techniques to life in a single expression that takes shape from experience.

The idea of proposing a video within the exhibition stems from Esther Seidel's continuous desire to experiment with new techniques and technologies, in particular to insert her private life (the inside of the soul) in what becomes thanks to art a public space where to show herself. The video entitled "Autor de la lune" is a synthesis of what was said before: sculpture with time leaves space for photography from which the embroidery is born, embroidery returns to sculpture forming a synthesis of her artistic research or rather of her 'making art'. All this is shown to the viewer of the exhibition thanks to the video that becomes the 'sum' of all the techniques in one, the steps that led to see today, in the site-specific project for the Green House of the Fondazione La Versiliana, all the work of the artist.